La banda mexicana Zoé, liderada por León Larregui, lanza su nuevo tema SKR, que forma parte de su nueva producción discográfica, y en medio de la cuarentena obligada por el COVID-19, busca acercar su música a los fans.
Junto al anuncio del lanzamiento del tema, que ya está disponible en las plataformas digitales, el grupo ganador del Grammy, invitó a los habitantes de la Ciudad de México a nominar su edificio o uno cerca de ellos, para que fueran los primeros en ver proyectado el video de SKR en las fachadas de los inmuebles.
Sonidos de Karmática Resonancia (SKR) es el título del que será el nuevo disco de Zoé, luego de Aztlán, álbum que fue publicado en 2018.
La última presentación en vivo de la agrupación de rock, antes de la emergencia sanitaria por el coronavirus, fue en marzo pasado, en el Vive Latino 2020, en donde celebró 10 años de su álbum desenchufado, Música de fondo.
A más de tres años de la muerte de Juan Gabriel, los rumores de que está vivo siguen creciendo y este pasado fin de semana en redes sociales apareció un hombre que dice ser el "Divo de Juárez" y su parecido es impresionante, por lo que mucha gente seguramente ya comienza a considerar la posibilidad de que "JuanGa" está vivo.
“Ya no aguanté más, así que aquí me tienen, en mayo del 2020. Envío un saludo a toda mi gente y espero que en México pase esto pronto; el próximo año estaré en contacto con ustedes y les diré la verdad”.
Señala el supuesto Juan gabriel en elñ video, aceptando que habría fingido su propia muerte. Además, agrega que desea que la Emergencia Sanitaria acabe pronto en nuestro país.
Aunque el parecido es innegable, los admiradores del intérprete de "Querida" y "No tengo dinero" de inmediato salieron en su defensa con comentarios como: "Una copia muy pirata", "La voz no es de Juanga. Sí se parece mucho aunque la calvicie no checa", "Es un doble. Desde el tono de voz, ademanes, fisonomía, en nada se parece al finado Juanga".
REAPARECE JUAN GABRIEL... Ustedes juzquen ES O NO ES? Se trata de un imitador o estaremos frente a un ALBERTO AGUILERA, harto de fingir su muerte y del personaje del DIVO DE JUÁREZ como lo dice en este video. DE SER ÉL , este será el mayor escándalo DEL SIGLO.
A sólo dos días de la muerte de Tony Allen, el legendario baterista africano y creador del afrobeat, los tributos por parte de músicos no dejan de aparecer. El más reciente de ellos, y sin duda alguna el más especial, es el que Gorillaz le ha rendido al lanzar la canción “How Far?”, en donde la famosa banda virtual colaboró con Allen y el rapero británico Skepta.
La canción de casi tres minutos de duración fue lanzada a través de los canales oficiales de Gorillaz. De acuerdo con un comunicado de prensa citado por NME, “How Far?” se grabó en Londres antes de que se suscitara la cuarentena por coronavirus, y fue una de las últimas colaboraciones que Tony Allen realizó antes de partir.
“Esta canción se comparte de inmediato como un homenaje al espíritu de un gran hombre, Tony Allen”, menciona Gorillaz en el escrito que finaliza con la frase “Quiero cuidar a los jóvenes, tienen mensajes y quiero ponerlos en mi ritmo”, dicha por el baterista que falleció a los 80 años de edad.
Pueden escuchar la canción a continuación:
Aunque esta nueva canción aparece dentro de la lista de Song Machine –la miniserie a través de la cual Gorillaz nos ha estado regalando grandes colaboraciones con músicos como Slaves, Peter Hook, Georgia, entre otros–, todo parece indicar que no se trata del cuarto episodio de la serie y sólo fue lanzada para honrar la memoria de Tony Allen, uno de los amigos cercanos de Damon Albarn.
Dicho esto la colaboración en cuestión no nos sorprende en lo absoluto, ya que desde el 2006 Tony y Damon han trabajado juntos en varios proyectos tales como The Good, The Bad and The Queen –en donde el baterista grabó dos álbumes de estudio con la banda liderada por Albarn–, y también como integrante del supergrupo Rocket Juice & The Moon, en donde Albarn y Allen unieron fuerzas con Flea, el bajista de Red Hot Chili Peppers.
Tony Allen tocaba en ocasiones con el colectivo Africa Express, también creado por Damon Albarn, quien seguramente no pudo encontrar una mejor manera de honrar a su amigo que compartiendo el último trabajo que realizaron juntos antes de que Tony Allen dejara este mundo.
La serie de la vida de Luis Miguel resurgió con algunas incógnitas y también ha dado pie a nuevas versiones al respecto a la historia de vida del cantante. En medio del revuelo, no hay duda de que el personaje más polémico de la trama de la serie de Netflix en su primera temporada, fue Luisito Rey, papá del cantante. Presentado como el villano en la vida de su hijo, la relación del cantante español con su hijo y su esposa Marcela Basteri son los hilos conductores de la serie.
En medio de la controversia que ha generado Luis Rey y la influencia que tuvo en la vida personal y profesional de Luis Miguel, la periodista Claudia de Izaca reveló un audio que el español habría grabado dos meses antes de morir por una supuesta sobredosis de cocaína. En él, el español reflexiona sobre la creación musical.
“No hay nada más hermoso que cuando se tiene fe. No hay nada que pueda hundir el barco, ni la mayor tempestad. La música, hermoso secreto de dos seres que puede ser lo más bonito que se puede lograr… La rosa de los vientos nos sobra, no la vamos a necesitar, tenemos en nuestras manos la credibilidad. Este barco no se puede hundir, está lleno de amor, porque la música es lo más hermoso que creó la humanidad. Esos cuatro marineros, vamos a cruzar el Atlántico para hacer algo que hace posiblemente 500 años hizo algo similar, sin luz, por eso se confundieron los marineros pero llegaron a puerto”, se escucha en la grabación atribuida a Luis Rey.
Según aseguró la periodista -que publicó la grabación en su canal de YouTube- tras el distanciamiento de su hijo, Luis Rey planeaba volver a los escenarios y por ello había grabado el tema No me arrepiento, que, según de Icaza, dejaría en evidencia que el intérprete no tenía remordimiento alguno por el trato que dio a su hijo.
Finalmente, la periodista habló sobre su intento por entregar el audio a Luis Miguel, mismo que se truncó porque el intermediario, Alejandro Basteri, se negó a recibir el material argumentando que dudaba de su veracidad.
Esta nota fue publicada originalmente en mayo de 2018 y se retomó en el marco del cumpleaños 50 de Luis Miguel.
El pasado Viernes 17 de abril, Pink Floyd estrenó en live streaming a todo el mundo su icónico concierto en vivo Pulse restaurado y re-editado; un esfuerzo más que cientos de artistas están realizando para animar a sus fans e invitarlos a quedarse en casa y ganarle a la pandemia del coronavirus COVID-19.
Y para sorpresa de miles de fans, la banda no solo ha compartido el famoso concierto Pulse en YouTube en live streaming, sino que este contenido está hoy disponible en el canal de Pink Floyd en YouTubeon demand, es decir, para que lo veas cuando quieras.
Cabe señalar que el video de Pulse que Pink Floyd ha compartido tiene una duración de un poco más de una hora y media y contiene la interpretación completa del álbum Dark Side of the Moon, así como el encore con las canciones “Wish You Where Here”, “Confortably Numb” y “Run Like Hell”.
Esta nueva edición del concierto omite la primera parte del concierto con cancinoes como “Shine On You Crazy Diamond (Parts I-V)”, “High Hopes”, “Another Brick in the Wall (Part 2)”, entre otras.
Todos los amantes de la música por el momento nos tenemos que conformar con ver shows en línea, pues gracias a las medidas tomadas por todo el mundo para mitigar el coronavirus se han tenido que posponer o cancelar conciertos y festivales. Desde hace algunas semanas muchos músicos están tocando por streaming y otros más han estrenado conciertos antiguos para que sus fans se distraigan mientras están en casa, sin embargo una de las bandas legendarias ha decidido sumarse a esta tendencia, ni más ni menos que Pink Floyd.
Sí, así como lo leen. Resulta que los miembros restantes de la última etapa formal de la banda, David Gilmour y Nick Mason han anunciado que durante todo el tiempo que dure la cuarentena estarán compartiendo en su canal de YouTube algunos conciertos nunca antes vistos en su carrera, sobre todo de los 80 y 90 cuando sacaron algunos discos sin Roger Waters como A Momentary Lapse of Reason y The Division Bell.
Foto: Getty
A través de un breve comunicado publicado en sus redes sociales, la banda saludó a sus fans esperando que todos se encontraran bien en estos tiempos tan complicados, además anunciaron que seguirían publicando imágenes y videos nunca antes vistos, entre ellos conciertos. Esto se une a lo que David Gilmour está haciendo, pues en los últimos días ha tocado en su cuenta de Facebook un montón de covers, entre ellos algunos de Leonard Cohen.
El primer concierto que mostraron fue una de las presentaciones más recordadas en esta faceta de Pink Floyd, pues se trata del show que dieron en 1994 en el Earl’s Court de Londres como parte de la gira de The Division Bell, una puesta en escena ambiciosa que mostraba lo mejor de su música combinado con la tecnología del momento –como siempre lo hizo la banda–, y el cual terminó publicándose un año más tarde como Pulse.
Foto: Getty
Si tienes ganas de aventarte estos conciertos de Pink Floyd y debrayarte (sanamente, claro) desde la comodidad de tu casa, recuerda que la banda estará compartiendo conciertos todos los viernes a partir de las 11 AM (tiempo del centro de México). Por lo mientras, échate la presentación de la banda en 1994 a continuación:
Lindemann, de 57 años, regresó el pasado 15 de marzo a Alemania tras actuar en solitario en Rusia y poco después solicitó atención médica al sufrir fiebre alta.
Los médicos le diagnosticaron una neumonía y se le ingresó de inmediato en una unidad de cuidados intensivos de un centro hospitalario berlinés en régimen de cuarentena.
Para confirmar lo que apuntaba a esta sintomatología, se le realizó el test del coronavirus y resultó positivo. La situación del cantante de Rammstein ha mejorado en los últimos días, según Bild.
En los últimos días el rock mexicano se ha visto envuelto en situaciones sumamente tristes, primero los golpes que recibió Sabo Romo de Caifanes por un tipo de la calle y ahora la salud golpea a uno de los músicos de las bandas más importantes de nuestro país. Desde hace algunos días se reportó que Sax, saxofonista y uno de los miembros más importantes de La Maldita Vecindad se encontraba muy grave de salud. Al principio solo eran rumores, pues nadie había podido corroborar la información sobre la delicadeza del caso del músico hasta ahora.
De acuerdo a un comunicado oficial que la propia Maldita Vecindad publicó en su cuenta de Facebook, la banda le comunicó a todos sus fans que Eulalio Cervantes –como en realidad se llama– se encuentra en estado crítico, esto debido a una extraña enfermedad que le diagnosticaron hace muchos años: “Nuestro carnal Sax se encuentra en estos momentos en un estado crítico de salud derivado de un padecimiento con el que ha batallado desde hace algún tiempo”.
Aunque no dijeron nada más sobre el estado de salud de su amigo y compañero de banda, sobre cómo se encontraba o algo por estilo, le pidieron a todos y cada uno de los fanáticos que tiene La Maldita en todo el país que tuvieran presente en sus oraciones y pensamientos al gran músico:“Pedimos a todos su buena vibra y energía para que nuestro hermano Sax, por esta delicada situación por la que atraviesa”.
Y para todos los que se estén preguntando, ¿qué va a pasar con los conciertos que Rocco, Aldo Acuña y Enrique Montes tienen programados? Bueno, pues aún no han cancelado ni dicho qué sucederá pero nos recomendaron estar pendientes en el mismo canal por si llega a pasar algo con él o dan otro anuncio oficial. Chequen a continuación el comunicado completito:
La música es más que belleza, es más que movimiento; la música es poderosa, es poder. Pero como todo producto cultural, no está libre de política (todo es político, todo es una estructura de poder). Aunque la música puede tener un discurso empoderador y revolucionario, tampoco está exenta de mecanismos de opresión.
¿Por qué conocemos a tan pocas compositoras medievales, renacentistas, barrocas, clásicas y románticas? Definitivamente no era falta de talento, sino la carencia de condiciones para integrarse al canon (como le pasó a María Anna, la hermana de Mozart, o a Clara Schumann, esposa de Schumann).
Después de siglos, muchas cosas han cambiado, pero otras no tanto. Muchos géneros musicales, como el hip hop, siguen siendo mayoritariamente dominados por hombres heterosexuales; voces dignas de ser escuchadas, pero ulteriormente unas cuantas entre muchas más. De ahí la necesidad de estar siempre en la búsqueda de las voces disidentes, de las voces transgresoras, de las voces más críticas y las más marginadas (aunque no siempre nos guste lo que digan, hay que escucharlas).
Así que decidimos hacerles un compendio de mujeres que no solo son hip hoperas, sino son hip hoperas feministas. Mujeres rimando sus versos y sus poesías a pesar Y en contra de los obstáculos, los machismos y las violencias. Justo ahí donde hay injusticia, la voz se tiene que levantar más fuerte.
Esta lista es solo un pequeño e inicial acercamiento al mundo del hip hop femenino latinoamericano y los colectivos de mujeres que lo gestan. Entre más indagamos en el tema, más superficial se sentía nuestra investigación, pero debíamos de empezar por un lugar, así que súbele al volumen, abre los oídos, y escucha la voz y las palabras de estas mujeres.
Ana Tijoux “No sumisa ni obediente, mujer fuerte insurgente”
Nació en Francia de padres chilenos, exiliados tras el golpe de estado del 11 de septiembre de 1973. Restaurándose la democracia en Chile, Ana Tijoux regresó a ese país y siendo aún una niña empezó a incursionar en el hip hop.
Aunque el ancho de sus letras son una protesta de justicia social, Ana es abiertamente feminista y defensora de los derechos de la mujer, ideales que materializó en su canción “Antipatriarca“. Ha colaborado con Julieta Venegas en “Eres para mí” y ha sido nominada varias veces al Grammy.
Jezzy P “Vuelos mas altos, alas mas grandes, mi ser se expande
ahora yo soy lo que de niña quería ser de grande”
Activa en la escena desde 1996, Jezzy P es una de las mujeres pionerasdel rap en México. Actual directora del Colectivo Mujeres Trabajando (colectivo multidisciplinario de mujeres hip hoperas), sus letras suelen hablar de la cotidianidad de ser mujer y ser mexicana. Originaria de Ecatepec, su primer acercamiento al hip hop fue a través del grafiti.
Audry Funk “Porque mi voz con el viento se conecta, haciendo poesía declaro mi independencia”
Filósofa de formación y originaria de Puebla, Audry Funk se ha dedicado a la música independiente por 13 años, 9 de ellos al hip hop. También es parte de Mujeres Trabajando, además de Somos Guerreras y Somos Mujeres Somos Hip Hop, proyecto originario de Ecuador, pero que ha estado expandiéndose por varios países de habla hispana.
Rebeca Lane “soy autogobierno mi bandera es anarquista”
De Guatemala, Rebeca Lane es socióloga y anarquista. Antes de entrarle al rap, era poeta. Cuando empezó a cantar uso tanto sus letras como las de su tía, una poeta guerrillera.
Mara Advertencia Lírica “No hablo de negar un sexo, sino de reivindicarlo”
Feminista, rapera y activista por los derechos de los pueblos originarios de Oaxaca, Mara es zapoteca. Su canto es una herramienta para fomentar la emancipación femenina desde el pensamiento crítico.
Ecuatoriana, transfeminista y gestora del proyecto documental “Mujeres tras las cámaras”. Caye Cayejera no ha grabado ningún disco, pero no lo necesita para reivindicar la diversidad y protestar contra la violencia machista.
Danay Suárez “Eres dueña de tu cuerpo entero”
Inicio su formación musical como cantante lírica, Danay Suárez es cubana y su entrenamiento le permite moverse en diferentes géneros musicales, como el jazz, el bolero o el soul. Sin embargo, una constante se mantiene: el discurso emancipador de la mujer.
Diana Avella “Mujer nací, en un mundo pa’ machos”
Originaria de Santa Rosa de Lima, un pequeño, precario y perdido pueblo, Diana Avella recibió rechazo inicial de las disqueras pues “el rap era cosa de hombres”. Aún así, en 2010 sacó su primer disco oficial Nací Mujer. Hoy es una artista en giras internacionales y forma parte del Colectivo Distrital de Mujeres Hip Hoppers, en Bogotá, Colombia.
¿Nos faltó tu hip hopera favorita? Comparte su trabajo en los comentarios.
Humberto Francisco 'N' , de 23 años, fue detenido por elementos de la Policía de Investigación de la Fiscalía General de Justicia de la Ciudad de México por presuntamente agredir el 30 de enero a Sabo Romo, bajista del grupo de rock Caifanes, en la alcaldía de Benito Juárez.
De acuerdo con la investigación, Sabo Romo caminaba por calles de la colonia San Pedro de los Pinos cuando le pidió a Humberto Francisco 'N', que estaba a bordo de un vehículo, que no obstruyera las líneas peatonales, pero éste se bajó del auto y lo golpeó.
Tras agredir al músico, Humberto lo amenazó de muerte y escapó; mientras que el bajista sufrió lesiones en la cara y en la cabeza.
Tras iniciarse la carpeta de investigación se solicitó a un juez la orden de captura y el hombre fue detenido tras ser ubicado por agentes de investigación en la Plaza Metrópoli.
Posteriormente, Eliseo Reyna, mánager de Sabor Romo, informó que el integrante de Caifanes sería sometido a una cirugía y no podría asistir a los conciertos de la banda programados hace un mes.
A pesar de que el vocalista de la agrupación, Adam Levine, se disculpó por abandonar el escenario durante su presentación en el gran festival musical “Viña del Mar”. Los chilenos demostraron su enojo amenazando a la banda Maroon 5, de que no regresen nunca más a su país.
Recordemos que la famosa agrupación Maroon 5, fue la responsable de iniciar el quinto concierto del gran festival musical “Viña del Mar 2020”, uno de los eventos más grandes de la música latina.
Pero aparentemente la presentación de este grupo no fue del total agrado de los asistentes, un hecho que fue bastante obvio para Adam Levine que terminó enojándose y abandonando el escenario de una forma totalmente inesperada.
Maroon 5 abandona su presentación en “Viña del Mar”
Quizá la ausencia de Maroon 5 no hubiera ocasionado tanto alboroto, si el vocalista del grupo Adam Levine, no su hubiera referido a los chilenos como “imbéciles”. Un comentario que aparentemente el cantante mencionó al momento de abandonar el escenario.
Y como era de esperarse esta pésima actitud y majadería por parte de Adam Levine, quien posteriormente se disculpó, ocasionó la furia de todos los chilenos, quienes incluso ya amenazaron a la banda de que nunca más regresen a su país.
Chilenos explotan contra Maroon 5
A pesar de los esfuerzos de Adam Levine por revertir los daños, los chilenos han mostrado su enojo con la banda a través de las redes sociales, donde varias de las publicaciones de Maroon 5 en Instagram han sido invadidas por críticas y comentarios por parte de los chilenos, respecto al comportamiento poco profesional de Levine.
Entre los comentarios que más destacan están los siguientes: “Que concierto tan horrible y ellos se creen unos divos, más famosos son los Backs Street Boys y fueron más humildes”, “Das vergüenza como cantante, ni que fueras de la calidad de U2 o Metallica, ojalá haya muchas pifias en tu concierto. Cómo se te ocurre insultar a una ciudad y a la gente”.
Chilenos explotan contra Maroon 5: “No vuelvan a nuestro país”
La operación quirúrgica a la que ha sido sometido de urgencia el cantante Joaquín Sabina por un coágulo cerebral ha concluido satisfactoriamente, según ha informado a Efe su representante desde la misma Clínica Rúber Internacional.
A la espera de un comunicado oficial del hospital, su portavoz ha comunicado que su estado "no era grave", que todo ha salido "muy bien" y que el cantante, que ha tenido que ser operado "por un pequeño coágulo", permanecerá 48 horas en observación.
Sabina estaba en observación en la UCI desde que ingresó anoche tras la caída sufrida desde el escenario del Wizink Center de Madrid, donde ofrecía un concierto junto a Joan Manuel Serrat.
El accidente que sufrió ayer Joaquín Sabina, que de un susto ha pasado a un problema más grave pero controlado, se une a una larga serie de episodios médicos que a sus 71 años, cumplidos precisamente ayer, le hacen tener un estado de salud más precario de lo normal para su edad.
La caída de anoche en el Wizink Center, cuando ofrecía un concierto con Joan Manuel Serrat, fue un tremendo susto que parecía quedarse en eso porque las primeras noticias hablaban de tres fisuras en el hombro izquierdo.
Pero esta mañana, y tras pasar la noche tranquilo, se le apreció un golpe en la cabeza que le ha provocado un coágulo cerebral del que finalmente ha tenido que ser operado, con resultado satisfactorio.
Este miércoles 22 de enero, se dio a conocer el line up oficial de la tercera edición del Corona Capital Guadalajara, un festival que en apenas dos años, ha demostrado que se puede poner a la altura del festival que se celebra desde hace 10 años en el Autódromo Hermanos Rodríguez de la Ciudad de México. Y para eso, los organizadores se lucieron con un cartel que incluye a The Strokes, y Kings of Leon, como headliners.
Como base, el Corona Capital Guadalajara trae a bandas como Foals, Miami Horror, Real Estate, The Hives, Of Monsters and Men, Nick Murphy, Washed Out, Two Door Cinema Club, Wild Nothing, Little Dragon, Young the Giant, Beach Fossils, Death Cab For Cutie, y más. Muchas de estas bandas se han presentado recientemente en nuestro país como Two Door Cinema Club, quienes estuvieron presenta en la décima edición del CC en la CDMX en 2019.
El Corona Capital Guadalajara 2020 se celebrará el próximo 16 y 17 de mayo en la Explanada del Estadio Akron. La preventa Citibanamex arranca el próximo 28 y 29 de enero. La venta general de boletos arranca el 30 de enero. Como podemos notar, el Corona Capital Guadalajara sigue los pasos de su hermano en la Ciudad de México y tendrá dos días llenos de música, experiencias, gastronomía y todo lo que nos ha ofrecido este festival.
La primera edición de 2018 sirvió como una forma de mostrar a las audiencias que los grandes festivales también pueden salir de la Ciudad de México, y qué mejor que a una de las más grandes ciudades del país como es Guadalajara.
Acá se presentaron The Killers, Alanis Morissette, David Byrne, Cut Copy, Matt and Kim, Poolside y más bandas que impulsaron la segunda edición celebrada en 2019. Para este año, los organizadores del Corona Capital Guadalajara se rifaron con los headliners encabezados por Tame Impala, Yeah Yeah Yeahs, The Chemical Brothers, Phoenix, entre otros, en un cartel completamente anglo.
Acá les dejamos los precios de la edición 2020 del Corona Capital Guadalajara:
México. México vio por primera vez en vivo a Rammstein en el año 1999 como banda telonera de Kiss, estos 6 alemanes subieron al escenario e iniciaron le euforia y emoción de muchos que ahora no dejarían de ir nunca a un show de la banda alemana en México.
El día de hoy la banda a través de su cuenta de Facebook y de un mapa bastante al estilo de Rammstein han anunciado los lugares que visitaran en este 2020 y por supuesto México forma parte de este tour.
La banda ha visitado México en el año 2001 también ya como la banda principal en Ciudad de México y Monterrey.
Para el año 2010 Rammstein ya era una de las bandas más grandes y visitaron Ciudad de México, esta fue la ocasión en la que fueron entrevistados por Brozo en su programa “El Mañanero”, show que recientemente fue sacado del aire.
Su última visita fue a mediados del 206 en el Autódromo Hermanos Rodríguez encabezando el festival Hell and Heaven Fest.
Como cada año, Spotify da a conocer lo más escuchado en todo el mundo y como siempre es momento de aceptar placeres culpables. La década cierra con el reguetón y el pop como los ritmos dominantes, te guste o no.
La canción más importante del año proviene del dúo que tomó por asalto el verano del hemisferio norte: “ Señorita ” de Shawn Mendes y Camilla Cabello vieron más de mil millones de transmisiones. Después de Señorita, Bad Guy,Sunflower y 7 rings, la quinta canción más transmitida del año provino de Lil Nas X y Billy Ray Cyrus , Old Town Road – Remix.
Artistas más escuchados a nivel global en 2019
Post Malone
Billie Eilish
Ariana Grande
Ed Sheeran
Bad Bunny
Este año, “Post Malone reclamó el lugar del artista más transmitido con más de 6.5 mil millones de transmisiones de fanáticos de todo el mundo. Es la primera vez que el rapero, cantante y compositor encabeza la lista Wrapped de Spotify”, y lo hizo solo 12 semanas después de lanzar su álbum Hollywood’s Bleeding (que también es el segundo álbum más transmitido a nivel mundial este año). Su colaboración con Swae Lee en Sunflower de Spiderman: Into the Spiderversecompletó las tres canciones más escuchadas del año, lo que le da al artista un lugar en cada una de nuestras tres principales categorías de música (artistas principales, canciones principales y mejores álbumes).
Discos más reproducidos a nivel global en 2019
WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO? – Billie Eilish
Hollywood’s Bleeding – Post Malone
Thank you, next – Ariana Grande
No.6 Collaboration Project – Ed Sheeran
Shawn Mendes – Shawn Mendes
Este año, Spotify hizo de los podcast parte importante de su contenido, creciendo más del 50% desde el comienzo del año. Los podcasts más reproducidos a nivel global en 2019 más escuchados son:
The Joe Budden Podcast with Rory & Mal
My Favorite Murder with Karen Kilgariff and Georgia Hardstark
Gemischtes Hack
Fest & Flauschig
The Misfits Podcast
A continuación, puedes escuchar el playlist oficial de lo más escuchado del año.
Hoy se dio a conocer el cartel oficial del Vive Latino 2020 y la verdad no es algo que nos emocione comúnmente, pero al ver que el espectáculo de31 Minutos estará presente no podemos más que gritar ¡TULIO ESTAMOS AL AIRE!
“¡Eh veldá! El próximo año volvemos a tocar México como parte del prestigioso festival Vive Latino 2020 el 14 y 15 de marzo”, informó la cuenta oficial del programa chileno que amamos.
Prepárense para escuchar clásicos de nuestra vida como:
Me cortaron mal el pelo
Bailan sin cesar
Mi muñeca me hablo
Son pololos
El Dinosaurio Anacleto
Y muchas, muchas más. Ve con tu polo, ve con tu polola, ve con quien quieras, pero no seas fome. ¿Cuál es la canción que quieren escuchar?
Fue el proyecto más ambicioso y realizado en lo que muchos consideramos el epítome de su carrera, autocatalogado por la misma banda como el “The Wall” de los noventa, Mellon Collie and the Infinite Sadness se convirtió en un disco clave del rock alternativo norteamericano y para muchos la mejor obra de la banda de Chicago liderada por el genio compositor Billy Corgan.
La diferencia de este disco de sus anteriores es que acá Billy Corgan si bien fue el principal compositor, también le dio cabida a los demás músicos, quienes pudieron reclamar su derecho tanto como compositores que como arreglistas en muchas canciones. En discos pasados la obsesión de Corgan por componerlo prácticamente todo terminó por desencontrar a muchos de sus integrantes.
Disco 1 : Dawn to Dusk
Quedando divivido de esta forma, el primer disco como Dawn to Dusk y el segundo como Twilight to Starlight, el disco se concibió como una forma semiconceptual de abordar el ciclo de la vida y la muerte, desde el punto de vista de la condena que tenemos todos al pasar por este mundo y aseverados que en algún momento nos va a llegar nuestro día.
El primer tema alude muy bien al nombre de la canción “Mellon Collie and The Infinite Sadness”, esos pianos que entran no hacen más que evocar melancolía por todas partes y más aún cuando preceden a la notable ‘Tonight Tonight’, una hermosa balada que de alguna forma recrea parajes mentales muy emotivos, apoyada-como nunca en la historia de las calabazas- en una orquesta de 30 instrumentos de cuerda. Esta canción además editó un videoclip influenciado por el cine mudo de principios del siglo pasado, especificamente por la película Le Voyage Dans la Lune, que incluso tendría injerencia en el arte de la contraportada del disco.
Pero la furia ya empezaría a cobrar parte en este ambicioso asunto, la estrepitosa entrada de ‘Jelly Belly’, ya nos empieza a dar cuenta que este disco se movería en distintas direcciones, lleno de poderosos riffs y mostrando a un Jimmy Chamberlin muy eficiente y a la vez desquiziado en su ejecución de la batería.
Los riffs sabbathicos y una canción que marca este disco y más aún, la figura de este nuevo ícono del rock como lo es Billy Corgan sería ‘Zero’, el nombre de esta canción quedó plasmado en nuestras mentes recordando la aparición por primera vez de un Corgan totalmente calvo con una polera que mencionaba el título.
Un punto notable del disco y de la carrera de The Smashing Pumpkins llega con ‘Bullet With the Buterfly Wings’, es la canción que llegó a otorgarles todo tipo de elogios a los de Chicago, el arranque a capela con la frase ‘The World is a Vampire’ nos dejó a todos con la boca abierta y nos terminó por volar la cabeza con el explosivo coro y la fuerza desgarradora vocal de Corgan, junto con esas filosas guitarras proporcionadas por James Iha.
La sutileza de ‘To Forgive’ de alguna forma nos indica que algo drástico se viene, y se trata de ‘Fuck You (An Ode to No One)’, con un riff pegadizo al principio pero que nuevamente revienta sus olas musicales en los “coros”, la guitarra de Iha no sabe de límites de retornos y feedbacks sobre todo en la parte final.
Las incursiones con la electrónica también se harían presentes acá, en ‘Love’ por ejemplo aunque acá con un peso muy particular en la guitarra mezclado dándole matices espaciales a la canción.
El efecto onírico a cada momento se hace presente, unas arpas tocadas como por querubines da la impresión que suenan en ‘Cupid de Locke’, la misma sensación de vuelo evoca ‘Galapogos’; en ‘Muzzle’ vuelven las devastadoras guitarras de Iha para un tema que suena casi como un emblema.
Para el final de este disco se guardan una belleza como ‘Porcelina of the Vast Oceans’, que entra muy calma pero que -nuevamente-explota con las guitarras y el peso sabbathico, en una media que se da en muchas canciones. La ley del “loud-quiet-loud” reflejándose en su más pura expresión, pero en este caso no a lo Pixies ni Nirvana, sino que simplemente a lo Smashing Pumpkins. El aporte de Iha en composición con ‘Take me Down’ cierra esta primera entrega de estas dos maravillas que componen esta ambiciosa placa doble.
Disco 2 : Twilight to Starlight
La apertura del disco dos no iba a ser tan sutil como en el primero, es más, es una de las canciones más oscuras del álbum; ‘Where the Boys Fear to Tread’ entra con unos riffs pesadísimos que juegan con la batería de Chamberlin para darle paso a una estridente y sensual melodía y un extraño groove casi al borde de lo sicodélico; luego en ‘Bodies’ la cosa se descuadra: una canción que ya se la hubiesen querido los mismos Deftones, de hecho, juega mucho con las tan mentadas murallas de guitarras que hace Stephen Carpenter en la banda californiana.
Muy garagienta suena ‘Tales of a Scorched Earth’ y una distorsión para la voz de Corgan al borde de lo extremo, se deja caer por su propio peso, literalmente, tan fuerte que nos puede traer a memoria cosas de los noruegos de Hüsker Du por ejemplo. Seguida de ese bombazo entra ‘Thru the Eyes of Ruby’, una powerballad de aquellas, muy elaborada, con más de setenta pistas de guitarra para su realización, lo cual se ve completamente reflejado en el óptimo resultado para otra de las canciones de tono emblemático del disco.
Lo interesante del disco y contextualizándonos un poco en la época es el peso del riff y como se jugó con éste, el ingenio estuvo de sobra al momento de usar los riffs, entremezclarlos, provocar secciones eufóricas y catalizarlo en diversas sensaciones, en ‘XYU’ queda el claro ejemplo de aquello, los riffs andan por doquier y se cruzan con una energía muy poderosa y vital hasta que llega el momento de los gritos más desaforados de parte de Corgan que culminan una de las canciones más brutales del álbum.
Después de ese poderío y derroche de energía necesitábamos algo más ralentizado y con ‘We Only Come out at Night’ y ‘Beautiful’ tenemos bastante de eso, en esta última hasta con un MIDI utilizado para complementar más matices sonoros.
La senda sigue en ese camino llegando hacia el ocaso del disco con la ternura de ‘Lily’ (My One and Lonely)’ y ‘By Starlight’ donde toda esta especie de creación onírica de esta última parte tiene una suerte de ciclo aparte para su culminación.
‘Farewell and Goodnight’ cierra todo, una canción compuesta en conjunto entre Corgan e Iha basada principalmente en sus acústicas guitarras y donde todos los integrantes del grupo cantan dando una especie de despedida teatral a esta gran obra.
Pueden haber opiniones divididas entre cual es el mejor disco de The Smashing Pumpkins, lo que sí es innegable es la cantidad de buenas canciones que se pudieron extraer del disco, el peso nunca antes visto, la oscuridad y la euforia acá se ven reflejadas con creces, pero al mismo tiempo una delicadeza impecable, la emotividad y la melancolía juegan un papel primordial al redondear este concepto creado por la mano y obra principalmente de Billy Corgan.
Lamentablemente, de aquí en más Pumpkins tendría muchos aciertos pero nunca al nivel de este, y mucho que ver con eso tuvieron los problemas con drogas de sus integrantes y las desaveniencias que sucederían a futuro.
Mellon Collie and the Infinite Sadness logra algo al borde de lo épico ¿La comparación con “The Wall” de Pink Floyd? Una locura. Pero sí que marcó una etapa en un momento imprescindible dentro de la historia de los noventas y sí también que está dentro de los mejores discos dobles de todos los tiempos, de eso no hay duda.
La película con Joaquín Phoenix es maravillosa y su música no es la excepción, ¿ya escuchaste todas las canciones?
Nadie encuentra un sólo error en Joker. No hay escena que no guste o que no sorprenda, todo en ella es fascinante y nos estremeció hasta la médula. Pero, seamos sinceros, si algo le dio un toque extra fue las canciones que amenizaron toda la película.
La mayoría de las piezas que sonorizan la trama son canciones oldie, que pocas veces hemos escuchado, pero que tienen tanto punch como cualquier otra clásica. En Joker, además de ser grandiosas guían el camino de la historia de modo que es un gran complemento de la actuación de Joaquín Phoenix y el resto del cast. Así que, ¿por qué no las disfrutas y dejas que la fiebre de la película del año se apodere de tu playlist?
“That’s Life”
Frank Sinatra
«I've been a puppet, a pauper, a pirate / «He sido un títere, un mendigo, un pirata
A poet, a pawn and a king / Un poeta, un peón y un rey
I've been up and down and over and out / He estado arriba y abajo y una y otra vez
And I know one thing / Y sólo sé una cosa
Each time I find myself flat on my face / Cada vez que me encuentro de cara
I pick myself up and get back in the race» / Me levanto y vuelvo a la carrera».
“Sunshine of your Love”
Cream
«I've been waiting so long / «He estado esperando tanto tiempo
To be where I'm going / Para estar donde voy
In the sunshine of your love» / En el sol de tu amor».
“Smile”
Jimmy Durante
«Smile, / «Sonríe
Though your heart is achin' / Aunque tu corazón esté doliendo
Smile, / Sonríe
Even though it's breakin' / A pesar de que se está rompiendo
When there are are clouds in the sky / Cuando hay nubes en el cielo
You'll get by... / Lo superarás ...»
“Everybody Plays the Fool”
The Main Ingredient
«A certain person could never be / «Cierta persona nunca podría ser
Love runs deeper than any ocean / El amor es más profundo que cualquier océano.
You can cloud your mind with emotion / Puedes nublar tu mente con emoción
Everybody plays the fool, sometime / Todos juegan la cara, alguna vez
There's no exception to the rule» / No hay excepción a la regla».
“Eminence Front”
The Who
«Drinks flow / «Flujo de bebidas
People forget / La gente olvida
That big wheel spins, the hair thins» / Esa gran rueda gira, el cabello se adelgaza».
“White Rabbit”
Jefferson Airplane
«When the men on the chessboard get up and tell you where to go / «Cuando los hombres en el tablero de ajedrez se levantan y te dicen a dónde ir
And you've just had some kind of mushroom, and your mind is moving low» /Y acabas de tener algún tipo de hongo, y tu mente se está moviendo».
“It’s My Life”
The Animals
«It's a hard world to get a break in / «Es un mundo difícil para descansar
All the good things have been taken / Todas las cosas buenas han sido tomadas
But girl there are ways to make certain things pay / Pero niña, hay maneras de hacer que ciertas cosas paguen
Though I'm dressed in these rags, I'll wear sable some day» / Aunque estoy vestida con estos trapos, algún día usaré sable».
«You got to pick up every stitch. Must be the season of the witch / «Tienes que recoger cada puntada. Debe ser la temporada de la bruja
must be the season of the witch, yeah, / debe ser la temporada de la bruja, sí
must be the season of the witch» / debe ser la temporada de la bruja».
“In-A-Gadda-Da-Vida”
Iron Butterfly
«In a gadda da vida, honey / «In un escudo con vida, cariño
Don't you know that I'm lovin' you / No sé que te estoy amando».
“For What It’s Worth”
Buffalo Springfield
«There's battle lines being drawn / «Hay líneas de batalla dibujadas
Nobody's right if everybody's wrong / Nadie tiene razón si todos están equivocados
Young people speaking their minds / Jóvenes que dicen lo que piensan
Getting so much resistance from behind» / Obteniendo tanta resistencia por detrás».
“Magic Carpet Ride”
Steppenwolf
«I like to dream, yes, yes / «Me gusta soñar, si, si
Right between the sound machine / Justo entre la maquina de sonido
On a cloud of sound I drift in the night / En una nube de sonido me deslizo en la noche
Any place it goes is right / Cualquier lugar al que vaya es correcto
Goes far, flies near / Va lejos, vuela cerca
To the stars away from here» / A las estrellas lejos de aquí».
«Sick at heart and lonely / «Enfermo del corazón y solo
Deep in dark despair / En lo profundo de la desesperación oscura
Thinking one thought only / Pensando un solo pensamiento
Where is she, tell me where?"» / "¿Dónde está ella, dime dónde?"».
“Laughing”
The Guess Who
«Time goes slowly, but carries on / «El tiempo pasa lentamente, pero continúa
And now the best years have come and gone / Y ahora los mejores años han venido y se han ido
You took me by surprise / Me tomaste por sorpresa
I didn't realize that you were laughing» / No me di cuenta de que te estabas riendo».
Cada una es maravillosa y pareciera que no tienen mucho en común, hasta que vemos Joker y entendemos todas las caras de una sola melodía, misma que te llenará los oídos y la vida de mucho rock n’ roll.
El Joker no solo debería ser recordado como uno de los villanos más icónicos de todos los tiempos, sino también como aquel que tiene algunos de los mejores temas musicales. A lo largo de su aparición en películas, series y videojuegos múltiples compositores y compositoras han creado temas memorables que ahora forman parte de la esencia del Joker. Pasando por temas predominantemente sinfónicos hasta temas más experimentales y abstractos, hay un amplio catálogo para todos los gustos. De todos los temas del Joker, ¿cuál es tu favorito?
Batman (1966) – The Martketts
Ni el Joker se salvó de la década de los 60. Prueba contundente de esto es el tema que le compusieron The Marketts. Con toda la influencia del rock & roll de mediados de la década, quizá un poco del surf rock, también muy popular por ese entonces, a cualquiera se le sueltan las piernas al oír este tema. Salpicado de unas risotadas por aquí y por allá, más que el tema propio de un villano parece uno de la pista de baile. Personalmente no me molesta eso, y creo que es un tema muy pegajoso que se salva por sí mismo.
Batman (1989) – Danny Elfman
También conocido como Waltz to Death es un tema compuesto para orquesta por Danny Elfman para la película Batman de 1989. El productor de la cinta no estaba convencido de que Elfman, novato en ese entonces, pudiera hacer una banda sonora decente. Esto cambió en cuanto recibió buenas referencias del muchacho de parte de Tim Burton. Y Danny Elfman terminó por ofrecernos no solo uno de los mejores temas musicales del Joker, sino uno de los mejores soundtracks para una película. Su trabajo fue considerado tan bueno que se editó en un CD independiente, algo poco común a finales de la década de 1980.
Al igual que la música compuesta por Shirley Walker, este tema de 1989 se enfoca en la creación de una melodía sumamente característica y pegajosa. Es un tema rápido y quizá algo violento, en términos generales bastante dinámico y apropiado para el papel de Joker que encarnó Jack Nicolson. De inmediato reconocemos el ritmo divertido y juguetón de vals. También automáticamente nos percatamos de que Elfman no solo se inspiró en una de las piezas más populares de música clásica, sino que también utiliza algunas partes de ella. Se trata del famoso Vals de la flores del compositor ruso Piotr Ilich Tchaikovsky. El parecido de la melodía es evidente, aunque solo en determinados fragmentos de la música.
Parte del soundtrack compuesto por Danny Elfman y su equipo fue usado nuevamente en Lego Batman: The Videogame, juego en el que Waltz to Death también es el tema principal del Joker.
Batman: The animated Series (1992-1995) – Shirley Walker
Compuesto por Shirley Walker, la primera mujer que estuvo al frente de la banda sonora de una película por primera vez en la historia de Hollywood, este tema es considerado por muchos como el mejor del Joker. El hecho de que Walker haya elegido componer un tema orquestal le da un lugar especial entre los otros temas del Joker compuestos en las últimas dos décadas. Pues al contrario de lo que uno podría esperar, el tema no parece pasado de moda (incluso hoy, casi treinta años después), ni ha envejecido como otros. Al mismo tiempo es un tema divertido, juguetón y asombrosamente memorable incluso al margen de la serie, que también es una joya y tiene al que muy probablemente es el mejor Batman de toda la vida.
La melodía principal del tema la tocan varios instrumentos de viento como el acordeón, unas trompetas e incluso unas flautas (quizá se nos escape un pequeño silbato por ahí). Tiene un gran balance entre lo cómico y lo solemne, lo que se aprecia bastante bien en que la melodía se intercambia con momentos más épicos protagonizados por las percusiones.
Mis recuerdos de Batman: The Animated Series son muy borrosos porque solo la vi de niño, y sin embargo no puedo evitar que una imagen del Joker me venga a la memoria al escuchar este tema. Es como si el ADN del Joker estuviera escrito en él.
El soundtrack de Batman: The Animated Series fue editado en un CD aparte con todas las pistas compuestas por Shirley Walker y sus colaboradores, y hoy se considera un raro y valioso artículo de colección.
Batman: The Dark Knight (2008) – Hans Zimmerman
El soundtrack para The Dark Knight fue compuesto por Hans Zimmerman y en 2008 recibió el Grammy a la menor banda sonora para un medio visual. El hecho de que este tema dure casi diez minutos rompe con la bonita tradición de crear uno breve, conciso y lo suficientemente memorable. No creo que el problema sea la duración misma, sino que durante estos diez minutos sucede demasiado. En términos generales es un tema oscuro y que trata de ser misterioso o intrigante, cosa que no logra según me parece. Pues de verdad podemos encontrar un poco de todo: fragmentos de lo que parece ser una imitación del soundtrack de Metal Gear Solid, sintetizadores y violines agudos y filosos como los que se escuchan en el fondo en una película de horror en el momento de un jumpscare, una fuerte dosis de percusiones en momentos inesperados que resultan molestas porque son gratuitas. La fluidez de la canción se ve entorpecida por todos los cambios bruscos de un tono a otro, de un ambiente a otro. Esa es la estructura de la música, es cierto, pero eso no quiere decir que sea buena por sí misma. En general me parece caótica, pero hey, solo es mi opinión. Por otro lado todo esto no afecta directamente la película.
Batman: The Dark Knight Returns (2012) – Christopher Drake
Creo que los temas musicales compuestos para un personaje no deberían durar más de tres minutos, pues lo que los hace tan memorables es su sencillez. Ahí tenemos el de Mario Bros o el de Crash Bandicoot, e incluso algunos de los del Joker que hemos mencionado antes. Cuando los temas empiezan a alargarse pueden resultar molestos porque en lugar de darnos una imagen más nítida de nuestro personaje tratan de robarse toda la atención. Entiendo que con el Joker esto puede deberse a que el personaje ha rebasado al villano, convirtiéndose él mismo en un ente con voz y personalidad propia, incluso al margen de Batman. Esto explicaría que al hacerse más complejo y fascinante el personaje, la música y los múltiples aspectos de la película respondan en consonancia.
Compuesto por Christopher Drake, quien también participaría en el videojuego Batman: Arkahm Origins, este tema empieza de forma misteriosa, lo que me parece más adecuado para el Joker. Durante casi toda la canción hay un piano que acompaña todo el caos del fondo, algo de lo poco rescatable de la música. Pero conforme avanza se ve más claro que vuele a cometer el mismo error de antes: hay un poco de todo en la canción que hace que no se sienta terminada y demasiado amplia y dispersa.
Batman: Arkahm Origins (2013) – Christopher Drake
El tema compuesto por Christopher Drake para el videojuego Batman: Arkahm Origins no se queda atrás. El compositor fue introducido al medio por Guillermo del Toro cuando este le pidió que compusiera la música para una película. Drake cuenta en una entrevista que Guillermo del Toro escuchó unas canciones que había compuesto para una fiesta de Halloween y le ofreció trabajar en conjunto. Esto sucedió a finales de la década de los 80 y desde entonces han colaborado en varios proyectos, entre ellos el videojuego Hellboy: The Science of Evil.
El tema del Joker de Arkahm Origins tiene un sonido más electrónico que sinfónico. Las campanas del inicio anticipan un tono épico y misterioso. Unas notas agudas como de pequeñas campanas nos acompañan en nuestra escucha. Me sorprendió que el tema fuera tan breve, considerando la tendencia marcada por Zimmerman de la que Drake es muy consciente. Mientras que me parece que la brevedad es una de las fortalezas de este tema, creo que también es su debilidad principal. Pues su corta duración no le permite encontrar su rumbo por completo. No quiero decir que no sea un tema entrañable, sino que en sus breves minutos no logra dar con un momento culminante que redondee el tema.
Gotham (2014-2019) – Graeme Revelle
Diría que es uno de los temas más rítmicos del Joker, pues hasta más o menos un poco más de la mitad tiene un tono lento y pausado. También notamos en seguida el uso de un instrumento de cuerda que es difícil de reconocer para los que no estamos familiarizados con el trabajo de Graeme Revelle, el responsable de la banda sonora de Gotham. Vagamente lo asocié con una balalaika o un instrumento tradicional del oriente de Europa, algo incorrecto considerando que el compositor es originario de Nueva Zelanda.
Es sumamente interesante la manera en que el tema se va desplazando hacia un tono mucho más sintético y asfixiante. En lo personal me agrada el carácter cómico impreso a lo largo de algunos fragmentos de la canción, pues se deshace de la solemnidad que otros temas exageran. Creo que Revelle lo equilibra bien por medio del uso de sintetizadores y guitarras distorsionadas.
Suicide Squad (2016) – Steve Prince
Odio todo acerca de este Joker. Odio la actuación, odio el diálogo, odio la música. ¿Es épica? Sí. ¿Me gusta? no.
¿Podemos pasar al siguiente?
Batman: The Killing Joke (2016) – Kristopher Carter
Es curioso que una de las películas del universo de DC Comics con menos aceptación entre el público y la crítica tenga temas, sino impecables, por lo menos atractivos.Batman: The Killing Joke, la adaptación a la pantalla grande de la novela gráfica de Alan Moore, si bien no fue lo que todos esperaban, su apartado sonoro bien podría recibir una valoración más positiva. No he escuchado con atención toda la banda sonora del filme, pero el tema del Joker me ha causado bastante curiosidad y creo que la merece.
Se trata de uno de los temas más fascinantes y misteriosos creados para el Joker. Tiende más hacia el horror, sobre todo durante la primera parte, y crea una atmósfera oscura, terrorífica. Justo cuando empezamos a dudar de que se trata de un tema del Joker empieza una sección más dinámica y casi chusca en la que podemos reconocer mejor a nuestro villano. Lamentablemente la canción regresa a un ambiente demasiado oscuro y se desvanece en él sin darnos más pistas del personaje, o más bien: nos deja una idea demasiado oscura y tétrica del Joker. En cuanto a la instrumentación tenemos una carga importante de sintetizadores que introducen y van definiendo el tema de forma paulatina. También tenemos un piano que desde el principio nos va guiando de forma nítida entre los múltiples sonidos y detalles de fondo.
Joker (2019) – Hildur Guðnadóttir / Jimmy Durante
Hildur Guðnadóttir es una chelista islandesa que recientemente ganó el Emmy al mejor score por su colaboración en Chernobyl, la serie de HBO. El soundtrack de esta serie fue grabado utilizando “instrumentos nada convencionales”, en palabra de Guðnadóttir, e incluso se grabaron sonidos directamente en una fábrica de Lituania, donde la mayor parte de la serie fue rodada.
En la adaptación de Smile de Jimmy Durante que pudimos escuchar en el teaser tráiler del Joker nos damos cuenta de que, a pesar de que se trata de un trabajo menos experimental, podemos reconocer a la compositora islandesa. Se trata de una adaptación en la que el tema original y los elementos nuevos se refuerzan entre sí logrando crear un todo con sentido. Es sorprendente la manera en que los elementos agregados por la compositora logran resaltar los momentos más emocionantes del tema de Jimmy Durante, en lugar de solo acompañarlos o incluso apagarlos. Otra de sus virtudes es que añade un factor que antes no estaba ahí: una sensación entre creepy y perturbadora que se logra con violines y otras notas muy agudas.
Ximena Sariñana fue criticada por pensar que "Mis sentimientos", la canción que interpretó al lado de Los Ángeles Azules se hizo popular después de que hizo el dueto con el grupo.
En una entrevista para De Primera Mano, la cantante dijo que: "Me siento súper agradecida con ellos por haberme invitado a ser parte de su historia y por haber hecho historia también con esta canción".
"Es una canción que no era tan conocida y a partir de nuestra colaboración, pues bueno, definitivamente se ha vuelto un clásico en la música que se escucha".
En los comentarios del video, algunos internautas le hicieron saber que quizá ella no conocía el tema, pero que "Mis sentimientos" es una de las canciones representativas del grupo.
"¿Que la canción no era tan conocida? jajaja ... Más bien tú no eras tan conocida pero gracias a esta canción mucha gente te conoció a ti." / "Si que eres muy creidita" / "Me quede así como WHAT!!!! si esa canción es más conocida aquí y en China !!!"
En la entrevista, Ximena Sariñana también destacó que "Soy muy afortunada, qué te puedo decir. Amo a Los Ángeles Azules, amo su música".
También habló de todas las facilidades que le ha dado su carrera para la maternidad, pues su hija Franca va con ella a todas las giras y siempre procura tenerla a su lado.
